Портреты французских художников

ПРОЧИТАВ ЭТУ СТАТЬЮ ВЫ УЗНАЕТЕ ОБ ИМПРЕССИОНИЗМЕ И ПОРТРЕТАХ ФРАНЦУЗСКИХ ХУДОЖНИКОВ ОЧЕНЬ МНОГО ИНТЕРЕСНОГО

СОДЕРЖАНИЕ:
 ПОРТРЕТ В ЗАПАДНОЕВРОПЕЙСКОЙ ЖИВОПИСИ
 в Нидерландах 15 век
 в Италии 15век
 в Италии 16 век
 в Германии 16 век
 в Голландии и Фландрии 17 век
 в Испании 17-18 век
 в Англии 17-18 век
 во Франции конец 18 - 1-я половина 19 века
 во Франции конец 19 - 1-я половина 20 века
 Портрет 20 века
 ПОРТРЕТ В РУССКОЙ ЖИВОПИСИ


Импрессионизм особенно ярко проявился в пейзаже, но его влияние сказалось и в портрете. Самым старшим из сторонников этого направления в изобразительном искусстве был Эдуар Мане (1832-1883), художник, который глубоко изучил наследие великих мастеров прошлого, в особенности Веласкеса. Благодаря этому Мане оказывается связующим звеном между импрессионизмом и классической традицией, что отразилось и на композиционных приемах, и на технике.

В портретах Огюста Ренуара (1841-1919) сказывается влияние фотографии. Его «снимки» крупным планом как будто сделаны с открытой диафрагмой и слегка засвечены: так ярко выделяются глаза на лицах ренуаровских моделей.

Эдгар Дега (1834-1917) часто использовал фотографию в качестве основы будущей картины. Он изображал предметы под необычным углом зрения, некоторые его композиции выглядят как бы обрезанными рамой — это давало эффект остановленного мгновения, как у моментального фотоснимка. Работы Дега отличает также великолепное чувство линии — ведь он ученик Энгра. Поль Сезанн (1839-1906), Поль Гоген (1848-1903), Винсент Ван Гог (1853-1890) и Анри де Тулуз-Лотрек (1864-1901) принадлежат к более поздней, постимпрессионистической традиции. Мир Сезанна — это простые формы: куб, шар, пирамида, а живопись — вечная борьба плоскости полотна с трехмерным пространством. Главным средством выражения в живописи для Поля Гогена был цвет. Он работал с плоским цветовым пятном чистого тона, работал на контрасте основных и дополнительных цветов.

В картинах Ван Гога энергия краски и движения кисти становятся материальным воплощением энергии его души, так открыто и тонко воспринимающей внешний мир. Работы Анри де Тулуз-Лотрека всегда остры в передаче характеров, его линия жестко и неумолимо обрисовывает жесты и нередко неприглядные черты лица модели. Анри Матисса (1869-1954), представителя фовизма, увлекает открытый чистый цвет, мелодия и ритм композиции из цветовых пятен.

ЭДУАРД МАНЕ. ВОКЗАЛ СЕН-ЛАЗАР
1874. Национальная галерея искусства, Вашингтон

В строгом смысле это полотно нельзя назвать портретом. Скорее это жанровая сцена, похожая на моментальный снимок, но снимок — из «семейного альбома ». Мане изобразил Викторину Меран, свою любимую натурщицу, позировавшую ему для знаменитой «Олимпии», а рядом — дочь своего друга Альфонса Хирша.

ЭДУАРД МАНЕ. ПОРТРЕТ ЭМИЛЯ ЗОЛЯ.
1868. Музей Орсэ, Париж

После того, как картина Мане «Олимпия » подверглась разгромной критике на парижском Салоне, Золя написал статью в защиту художника. Фотография «Олимпии» изобра- жена на стене справа, рядом с японской гравюрой и копией картины Веласкеса. В руках у Золя — книга по истории живописи. Портрет составлен почти как шарада: Золя разбирается в живописи, открыт всему новому (японское искусство тогда только начало входить в моду) и способен поддержать друга — с фотографии на Золя смотрит Олимпия.

ПЬЕР ОГЮСТ РЕНУАР. ДЕВУШКА С ВЕЕРОМ.
1881. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Ренуар создал определенный тип женской красоты: нежная кожа, темные глаза, задумчивый и лукавый взгляд из-под челочки. Веер в руках девушки напоминает о японских гравюрах, которые очень ценились импрессионистами. Манера письма в этом портрете еще импрессионистическая, но вместе с тем здесь чувствуется интерес к четкости линий и форм, подчеркнутых крупными цветовыми пятнами: силуэт модели четко выделяется на светлом фоне, полукруг веера подчеркивает округлую форму плеч и перекликается с круглящимся силуэтом спинки красного кресла.

ПЬЕР ОГЮСТ РЕНУАР. ПОРТРЕТ ЖАННЫ САМАРИ.
1877. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва

Жанна изображена строго фронтально, и ее взгляд направлен прямо на зрителя — однако торжественность, присущая такому типу изображения, смягчается за счет легкого наклона головы и непринужденного жеста руки, подпирающей голову. Таким образом, близость и открытость по отношению к зрителю приобретает доверительно-дружеский оттенок, сохраняя при этом благородную ненавязчивость в первую очередь за счет са мого характера живописной поверхности — легкие и свободные мазки создают некую дымку, и все детали видны словно сквозь легкий флер. Плечи, руки, платье, пышная прическа актрисы сливаются с фоном.

Доминирующий розовый цвет мог бы показаться навязчивым, но Ренуар создает тонкое равновесие другими цветами. Крупные мазки краски чередуются с точечными вкраплениями и легкими лессировками, красные и розовые тона сочетаются с зеленым и синим, а зеленый цвет платья освещает портрет своим холодноватым сиянием.

ПЬЕР ОГЮСТ РЕНУАР. МАДАМ ШАРПАНТЬЕ С ДЕТЬМИ.
1878. Музей Орсэ, Париж

На портрете изображены жена и дети известного парижского издателя Жоржа Шарпантье. Маргарита была хозяйкой знаменитого на весь Париж салона, где встречались интересные люди и богатые любители искусства. На портрете она позирует в своей японской гостиной — в то время японская экзотика входила в моду. Маргарита предстает перед зрителем с выражением спокойной и немного холодноватой уверенности на лице. Рядом с ней нарядные дети: старшая девочка, Жоржетт, сидит на спине сенбернара, а ее младший брат Поль — его крестным был Эмиль Золя — на диване рядом с матерью. Чтобы подчеркнуть сходство брата и сестры, детей одели в одинаковые платьица — в то время мальчиков до пяти лет одевали, как девочек.
Сияющий золотистый, нежные голубые тона и яркие краски натюрморта в правом углу, а также пестрая накидка на софе подчеркивают выразительность черного и белого в картине: платья мадам и черно-белого окраса собаки

ПЬЕР ОГЮСТ РЕНУАР. ДЕВОЧКА С ЛЕЙКОЙ
1876. Национальная галерея искусства, Вашингтон

Асимметрия композиции соответствует моментальности и естественности впечатления. Внешнее окружение модели тщательно продумано. Цветы создают прелестное обрамление образа юной садовницы с пышными белокурыми волосами. Темно-синее платье на светлом фоне подчеркивает грацию модели, а яркий акцент маленького красного бантика рифмуется с красными точками цветов.

ПЬЕР ОГЮСТ РЕНУАР. АЛИСА И ЭЛИЗАБЕТ КАЭН Д’АНВЕР.
1881. Музей искусств, Сан-Паулу

Нежные лица, сияющие волосы и светлые платья делают фигурки девочек особенно легкими и воздушными, а фон из-за темных тонов кажется более глубоким. Здесь несомненно ощущается влияние знаменитых портретов инфант кисти Веласкеса. Девочки держатся за руки, как бы волнуясь перед выходом. Пятилетняя Алиса почти готова разразиться слезами, старшая Элизабет выглядит более уверенно. Судьба девочек сложилась по-разному. Элизабет погибла в 1944 году по дороге в Освенцим, а Алиса, вышедшая замуж за лорда Таунсенда, дожила до 1965 года. Восемьдесят лет спустя после создания этого портрета леди Таунсенд вспоминала, что позировать Ренуару было «ужасно скучно».

ПЬЕР ОГЮСТ РЕНУАР. ПОРТРЕТ ЖЮЛИ МАНЕ С КОШКОЙ.
1887. Музей Орсэ, Париж

В своих портретах, а в детских в особенности, Ренуар избегал напыщенности и искусственной парадности. Он предпочитал портретировать людей в обычной обстановке. Художник не стремится изображать тщательно отрепетированные позы, а наблюдает за реальной жизнью. В детских портретах он умеет не только передать сияние нежной кожи своих моделей, их мечтательный и наивный взгляд, но одновременно и уловить складывающийся характер.

ЭДГАР ДЕГА.ПОРТРЕТ СЕМЕЙСТВА БЕЛЕЛЛИ.
1858-1861. Музей Орсэ, Париж

На картине изображены родственники Дега, у которых он гостил во Флоренции. В семье царил разлад, и атмосфера отчуждения заметна в портрете. Лаура Белелли и ее старшая дочь явно позируют художнику, их позы статичны. Им противопоставлены более «случайные » и динамичные позы младшей девочки и отца семейства, неловко поворачивающегося в своем кресле. Сходство младшей дочери и матери художник подчеркивает с помощью одинакового ракурса их лиц. Изображение собаки справа обрезано краем картины.

ПОЛЬ СЕЗАНН. ПОРТРЕТ ОТЦА ХУДОЖНИКА.
1866. Национальная галерея искусства, Вашингтон

Луи Огюст Сезанн был хозяином шляпной мануфактуры, а затем банкиром. Сына он хотел видеть своим преемником, но смирился с его выбором безденежной профессии живописца и назначил Полю содержание.
Он далее соглашался позировать сыну, работы которого никогда не понимал. Полотно Сезанна — почти портрет правителя на троне, только трон сдвинут влево, а фигура вправо, за счет чего создается эффект напряжения. Именно это напряжение и игра сил позволяют метафорически выразить силу и энергию персонажа, который занят чтением газеты.

ПОЛЬ СЕЗАНН. МАДАМ СЕЗАНН В ЗИМНЕМ САДУ.
1891. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

На одном из самых поэтичных и нежных портретов Сезанна изображена жена художника Ортанс в зимнем саду имения Жа де Буффан. В портретах Сезанн не стремится выявить характер портретируемых, искать в них повод для глубокой психологической характеристики; он решает здесь чисто живописные задачи. На многих поздних портретах лицо Ортанс с преувеличенно восточным разрезом глаз напоминает маску. Позднее так будет трактовать лица в своих портретах Модильяни.

ПОЛЬ ГОГЕН. ХРИСТОС В ГЕФСИМАНСКОМ САДУ (АВТОПОРТРЕТ).
1889. Галерея искусств Нортона, Уэст-Палм-Бич

Автопортреты Поля Гогена нередко полны христианской символики: он изображает самого себя в роли Христа, проводя параллель между художником, жертвующим всем ради служения искусству, и Богом, жертвующим Собой ради людей.

ПОЛЬ ГОГЕН. АВТОПОРТРЕТ.
Ок. 1893. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва

В данном автопортрете религиозные ассоциации отсутствуют, художник предстает самим собой, он открыто и прямо смотрит на зрителя, позволяя читать и силу характера, и борьбу душевных волнений, и готовность противостоять жизненным ударам.

ПОЛЬ ГОГЕН. ЖЕНЩИНА, ДЕРЖАЩАЯ ПЛОД
1893. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Эта жанровая сцена из жизни острова Таити имеет и другое название: «Куда ты идешь?», обычное приветствие местных жителей. Таитянская женщина изображена близко к краю картины и кажется поэтому более величественной. Ее статичная поза соответствует тому созерцательно-медитативному состоянию, которое связано с символическим содержанием картины. Скрытый смысл поясняют персонажи на заднем плане: девушка, молодая женщина и женщина с ребенком на руках. Таким образом и фрукт в руках главной героини приобретает символическое значение — он соотносится с темой продолжения жизни, естественного и извечного движения человека и природы.

ВИНСЕНТ ВАН ГОГ. АВТОПОРТРЕТ С ОТРЕЗАННЫМ УХОМ И ТРУБКОЙ
1889. Частная коллекция

Когда жизнь в Париже становится невыносимой, Ван Гог по совету Тулуз-Лотрека переезжает в небольшой городок на юге Франции — Арль. Здесь он много и плодотворно работает. Он приглашает последовать за собой Гогена, которого ценит как друга и ставит гораздо выше себя как художника. Осенью 1888 года Гоген наконец приезжает, а уже в декабре происходит роковая ссора. Не выдержав очередного и очень сильного нервного потрясения, Ван Гог отрезает себе мочку уха — жест одновременно страстный и жертвенный. Тема страдания является доминирующей в автопортрете, написанном после этих событий. Напряжение усиливается с помощью колорита, в котором сталкиваются красный и зеленый, синий и желтый цвета. В то же время жанровый мотив — курение трубки — является контрапунктом к интенсивному эмоциональному тону и подчеркивает стоический характер художника.

ВИНСЕНТ ВАН ГОГ. ПОРТРЕТ ДОКТОРА РЕЯ
Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва

Ван Гог познакомился с доктором Реем в арльской больнице, куда попал после инцидента с отрезанным ухом во время ссоры с Полем Гогеном. Это человек непростого характера, и его отношения с художником неоднозначны, что проявляется и в цветовой гамме полотна: синий цвет костюма разбавлен полосками оранжевого, а зеленый фон — росчерками контрастного красного цвета. Ван Гог искренне уважал и восхищался молодым врачом, проявлявшим терпение к обитателям своей клиники. А доктор Рей относился к портрету как к подарку благодарного пациента и не слишком ценил его. Впоследствии, найдя заброшенный портрет на чердаке, один из друзей художника уговорил доктора продать портрет маршану Амбруазу Воллару. Воллар был владельцем галереи, известным в то время коллекционером и знатоком искусства, дружившим со многими художниками. От него картина попала в коллекцию Сергея Щукина.

АНРИ ДЕ ТУЛУЗ-ЛОТРЕК. ЖЮСТИНА ДЬЁЛЬ В САДУ ФОРЕСТА.
1889. Музей Орсе, Париж

Живописный портрет Жюстины Дьёль сделан мастером в садике папаши Фореста на парижском холме Монмартре, излюбленном месте встреч французских художников. Руки модели, сцепленные и лежащие на коленях, выдают терпеливое ожидание при вынужденном позировании, но есть что-то во всей ее позе, заставляющее предполагать порывистость натуры.

АНРИ МАТИСС. ПОРТРЕТ ГРЕТЫ МОЛЬ.
1908. Национальная галерея, Лондон

Грета Моль была ученицей Матисса. Однажды она показала мастеру свой портрет, написанный немецким художником Ловисом Коринтом. Матисс не одобрил портрет — по его мнению, он не передавал должным образом привлекательность и естественную живость модели.

Он предложил Грете написать ее портрет, с условием, что она приобретет его только в том случае, если он ей понравится. Работа над портретом заняла десять сеансов по три часа каждый. Матисс не разрешал Грете смотреть на незавершенную работу, зато она могла наблюдать, как он работает с красками. Если мастер добавлял в картину новый оттенок, это вело к изменению цветовой палитры в целом. Портрет представляет собой сочетание чувственности и отстраненности, почти абстрактного рисунка — арабески за спиной модели повторяются в линиях согнутой руки — и роскошных визуальных эффектов, например, в изображении прозрачной ткани блузки. Портретный образ Матисс наделяет такой же абстрактной силой и синтетическими качествами, которых он достигает в своих больших фантазийных композициях.

При первом взгляде на портрет Грету поразило, какие у нее толстые руки и тяжелые брови, но все же они с мужем решили приобрести портрет.

АНРИ МАТИСС. ПОРТРЕТ ЖЕНЫ ХУДОЖНИКА.
1913. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

дарственный Эрмитаж, Санкт-Петербург В любой работе — в натюрморте, пейзаже и портрете — Матисс стремится к «ясному знаку». Детали он опускает, для их передачи существует фотография.
Выразительность объекта изображения достигается за счет его места в пространстве, окружения и пропорций. «Плоский» цвет акцентирует линии и пропорции рисунка, которые подчеркивают элегантность и утонченность модели. Спокойную и даже холодноватую сине-зеленую гамму оживляет яркий прочерк оранжевого шарфа.