ПРОЧИТАВ ЭТУ СТАТЬЮ ВЫ УЗНАЕТЕ О НАТЮРМОРТАХ ИЗВЕСТНЫХ ХУДОЖНИКОВ ОЧЕНЬ МНОГО ИНТЕРЕСНОГО И НОВОГО ОБ ЭТОМ ЖАНРЕ ЖИВОПИСИ
СОДЕРЖАНИЕ:
Натюрморт как самостоятельный жанр
14-15 век
Нидерланды 16 века
Снейдерс - Рубенс натюрморта
Харлемские художники
Натюрморт во франции
Ломбардская школа
Американские "обманки"
Импрессионизм в натюрморте
В середине XIX века в городе Филадельфии жил еще один заметный мастер предметной живописи -художник-самоучка Джон Ф. Фрэнсис (1808-1886), который начинал свою творческую карьеру в качестве странствующего (по центральной и восточной части штата Пенсильвания) портретиста.
В это же время Фрэнсис увлекся натюрмортом, отдавая предпочтение изображению «фруктов», «завтраков» и «десертов». В 1851 году он продал на выставке девять из двенадцати своих экспонировавшихся картин и постепенно приобрел в городе славу лидера в этом набирающем популярность у представителей среднего класса жанре. Живописец часто варьировал в композициях одни и те же полюбившиеся ему объекты, виртуозно передавал особенности текстуры поверхности фруктов, например вялой кожуры подсохшей кисти винограда.
Необычные картины, на первый взгляд кажущиеся сказочными, тревожными и нереальными, писал художник Мартин Джонсон Хид (1819-1904).
Даже в наши дни не все зрители могут похвастаться тем, что видели подобные диковины воочию, а уж в XIX веке редкой была возможность насладиться их красотой и на картине (если не рассматривать, конечно, рисунки в энциклопедиях). Живописец был уроженцем Пенсильвании, учился у Эдварда Хикса, а затем продолжил свое обучение в Европе, в том числе в Лондоне и Риме, где прожил два года.
Хид дебютировал в 1841 году на выставке Пенсильванской академии. Как многие художники того времени, он начинал с портретов, затем, переехав в 1859 году в Нью-Йорк и познакомившись с Фредериком Эдвином Чёрчем, посвятил себя пейзажу, а спустя несколько лет стал экспериментировать в области натюрморта. Хид много путешествовал. Огромное влияние на его творчество оказали совершенные им три поездки в Южную Америку, вдохновившие на создание новаторских работ.
Изящная картина в духе «цотре-ГоеН» с одиноким венком («залогом любви»), висящим на голой стене с греческими письменами, принадлежит кисти знаменитого американского живописца и декоратора Джона Ла Фаржа (1835-19Ю), создателя витражей и изобретателя опалесцентного (переливчатого) стекла.
Ла Фарж прославился своими витражными шедеврами, выполненными для церквей и общественных зданий Бостона и Нью-Йорка, но в творческом наследии мастера важное место занимают замечательные пейзажи, портреты, жанровые сцены и натюрморты.
Продолжателем традиций голландского и фламандского «рыбного» натюрморта выступал популярный в Калифорнии во второй половине XIX века художник Самуэль Марсден Брукс (1916-1892), эмигрировавшый в ранние годы с семьей из Англии. Он брал уроки рисования в Чикаго и в начале карьеры зарабатывал себе на жизнь ремеслом странствующего портретиста. В 1862 году он обосновался в Сан-Франциско и завоевал себе репутацию прекрасного педагога и замечательного специалиста в изображении фруктов (его отец был ученым-ботаником) и рыб.
Рыбная тематика была его страстью. Он совершал специальные экспедиции, чтобы найти или выловить нужные ему экземпляры морской и речной фауны и достиг невероятных высот в натуралистическом воспроизведении каждой мелкой детали.
Первым американским живописцем, обратившимся к натюрморту с музыкальными инструментами, был Уильям Майкл Харнетт (1848/1851-1892), ирландец по происхождению.
Он не замечал никакого подвоха, пока не подошел вплотную к картине - теперь он был совершенно обескуражен». Помимо музыкальных инструментов (чаще всего флейт и скрипок из собрания Харнетта и его друга) на картинах фигурировали воспроизведенные с поразительной точностью ноты оперной музыки или популярных в те годы салонных пьес. Из 170 созданных Харнетгом натюрмортов 37 посвящены музыкальной тематике, а на остальных нередко изображены книги, трубки, табак, газеты и прочие атрибуты «бренности», заставляющие (в данном случае уютно устроившись с пледом в кресле) философствовать на темы бытия.
Искусство живописца повлияло на творчество многих художников, в том числе Джона Фредерика Пето (1854-1907), с которым они вместе учились в Пенсильванской академии.
Чарующие композиции великого американского живописца Джеймса Эббота Макнила Уистлера (1834-1903) и его современника, выдающегося испанского художника-ориенталиста Мариано Фортуни-и-Карбо (1838-1874) погружают нас в эпоху повсеместного увлечения Востоком и японскими гравюрами.
Во второй половине XIX столетия японская мания охватила практически все слои европейской культуры. В театре ставили “японские” оперы; выходили в свет сентиментальные романы о гейшах и путевые заметки о жизни и нравах японцев; известные парижские модели, а вслед за ними и аристократки наряжались в кимоно и брали в руки круглые японские веера. Коллекционирование предметов дальневосточного искусства считалось правилом хорошего тона. Джеймс Уистлер, оказавшийся в это время в Париже, стал свидетелем, а затем и активным участником захватывающей эстетической игры, основанной на тончайшем переплетении чужеродных культур».
На развитие европейской живописи и графики этого периода, в том числе и предметной, огромное влияние оказала цветная японская гравюра XVII-XIX веков стиля «укиё-э» (картины повседневной жизни), в которой отразились характерные черты японского искусства. «Понятие укиё-э, так же как и само слово, прошло значительную эволюцию, - пишет исследователь японской гравюры Б.Г. Воронова. - Возникшее в древности в терминологии буддизма и обозначающее вначале “бренный, суетный” мир, в его противопоставлении высшей действительности, оно приобрело впоследствии оттенок “современный” или “модный”.
Искусство укиё-э свидетельствовало о стремлении народа к творческому самоопределению: художники отражали его веру в будущее, умение радоваться простым жизненным ценностям - поэзии будней и привлекательности женщин, праздничному веселью и красоте театральных зрелищ». Непосредственным предшественником гравюры на дереве (или ксилографии) явилась живопись «укиё-э»; часто одни и те же художники работали и в технике живописи, и в технике гравюры.
Внимание европейцев привлекал не только национальный колорит, но, в первую очередь, «иная художественная система», включавшая в себя необычное сочетание в живописи условного с действительным, тонкое чувство линии и цвета, смелость композиционных построений, а также особое поэтично-философское восприятие мира, позволяющее художнику «одновременно фиксировать» на картине проявления исчезающего мгновения и вечности.
Классического натюрморта (в его европейском понимании) в изобразительном искусстве Японии и Китая не существовало: слишком велико различие культуры Востока и Запада в форме художественного видения и системы жанров, но существовали древние традиции изображений цветов, птиц, а позже - вещного окружения человека. «И не в японском ли искусстве, - восклицал Виппер, - в его кипучей декоративной жизни, в его цветах, растениях, птицах, полных вечного трепета, не в них ли почерпнул Готье свой лозунг - “Природа живет всегда”, с которым он выступил против мертвого ремесла натюрмортной живописи?»
Изображения бытовых вещей и предметов прикладного искусства можно встретить на гравюрах великого мастера «укиё-э» Судзуки Харунобу (около 1725-1770), впервые применившего в 1765 году многоцветную печать. Его работы определили новый стиль цветной ксилографии.
Предметные композиции встречаются в работах поэта, философа, живописца и графика Кацусика Хокусая (1760-1849), с творчеством которого связан расцвет пейзажного жанра в японской классической ксилографии.
Натюрмортные изображения атрибутов изобразительного и театрального искусств (Мастерская художника, Реквизит для прощального представления) выполнены в сложной технике ксилографий «суримоно». Это был особый вид небольших по размеру гравюр, высоко ценимый коллекционерами и использовавшийся в качестве поздравительных карточек. Изящные «суримоно» и композиции с цветами Хокусая наполнены поэтическими ассоциациями, символами и метафорами.
В популярном в Японии жанре «кате-га» («цветы и птицы») много и плодотворно работал замечательный лирический пейзажист Андо Хиросигэ (1797-1858), произведения которого отличаются красотой рисунка, контрастностью и выразительностью силуэтов. Гравюра Сорока на ветке цветущей камелии выполнена на вертикальном листе («тандза-ку»), напоминающем узкие полосы бумаги, на которых средневековые поэты писали свои стихи.
История китайского изобразительного искусства ведет отсчет еще со второго тысячелетия до нашей эры. «Неодушевленные предметы, - отмечает Бесчастнов, - присутствуют в работах жанра “хуа-няо” - живопись “цветов и птиц”, зародившегося в Китае в период Тан в IX веке, но в их изображения никогда не вкладывался смысл, схожий с европейским. Ведь мир вещей представлялся древним китайцам скорее как совокупность принципов».
Произведения жанра «цветы и птицы» обычно выполнялись в национальной технике живописи «го-хуа» тушью и минеральными красками на свитках из деревца гумбо, в котором (как и в любой былинке) заключена душа Вселенной. «Занимающее нижнюю центральную часть длинного узкого свитка изображение деревца дополнено в верхней части столь же изящной надписью, образующей с ним единый художественный ансамбль. В этой картине художником решались не только изобразительные, но и этические задачи выявления через природный мир моральных ценностей утонченного, интеллектуально богатого человека» (Н. Виноградова).
Живописец Юнь Шоупин (1633—1690), автор поэтической композиции Сосна и цветы, обращался к сфере «интимных человеческих чувств». В его творчестве гармонично соединялись разные стили письма: тщательный, детальный стиль «гумби» («прилежная кисть») и свободный, эскизный стиль «сеи» («выражение идеи»). Мастер славился изображением цветов методом так называемой «бескостной» или «бесконтурной» живописи.
«Вневременная» и медитативная китайская живопись «цветы и птицы» сохраняла верность традициям на протяжении всей своей истории и в XIX веке была все так же далека от бурных поисков новых выразительных средств и стилей, присущих живописи европейской даже в таком «тихом» жанре, как натюрморт.
«Творчество Делакруа проникнуто духом борьбы, - пишет Е.П. Львова, - в нем бушуют грозовые раскаты бурного времени, отражается круговорот истории, вовлекающий в свое неуловимое движение судьбы людей». К натюрморту художник обращался редко, возможно, ему было тесно в рамках этого жанра.
Но и то немногое, что было им сделано в этой области, не прошло бесследно и вдохнуло в натюрморт новую жизнь. Великолепный Натюрморт с омаром был представлен Делакруа в Салоне 1827 года вместе со Смертью Сарданапала и другими картинами. Композиция была выполнена художником после возвращения из Англии, и в ней заметно влияние Констебла.
Использование материалов допускается с условием размещения ссылки на страницу:
ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ
СОДЕРЖАНИЕ:
Натюрморт как самостоятельный жанр
14-15 век
Нидерланды 16 века
Снейдерс - Рубенс натюрморта
Харлемские художники
Натюрморт во франции
Ломбардская школа
Американские "обманки"
Импрессионизм в натюрморте
В середине XIX века в городе Филадельфии жил еще один заметный мастер предметной живописи -художник-самоучка Джон Ф. Фрэнсис (1808-1886), который начинал свою творческую карьеру в качестве странствующего (по центральной и восточной части штата Пенсильвания) портретиста.
«Натюрморт для завтрака» ок. 1860 г.В 1845 году он стал выставлять свои работы в Пенсильванской академии изящных искусств и на ежегодных выставках Объединения художников Филадельфии.
Автор: Фрэнсис, Джон Ф
Размер: Высота: 64,6 см (25,4 дюйма); Ширина: 77,2 см (30,3 дюйма)
Материал: холст, масло
Где находится: Смитсоновский музей американского искусства
В это же время Фрэнсис увлекся натюрмортом, отдавая предпочтение изображению «фруктов», «завтраков» и «десертов». В 1851 году он продал на выставке девять из двенадцати своих экспонировавшихся картин и постепенно приобрел в городе славу лидера в этом набирающем популярность у представителей среднего класса жанре. Живописец часто варьировал в композициях одни и те же полюбившиеся ему объекты, виртуозно передавал особенности текстуры поверхности фруктов, например вялой кожуры подсохшей кисти винограда.
Необычные картины, на первый взгляд кажущиеся сказочными, тревожными и нереальными, писал художник Мартин Джонсон Хид (1819-1904).
Название: «Орхидея Каттлея и три бразильских колибри» 1871 г. г.На них с научной достоверностью запечатлены бразильские орхидеи и колибри на фоне первозданной тропической природы или экзотические чувственные магнолии, стоящие в роскошных вазах либо покоящиеся на синем бархате драпировок.
Автор: Хед, Мартин Джонсон
Размер: высота: 34,8 см (13,7 дюйма); Ширина: 45,6 см (17,9 дюйма) см.
Техника: доска, масло.
Где находится: Национальная галерея искусств, Вашингтон
Скачать файл: 1000х759 px.
Большие файлы.
Репродукция (MAX. размер 100х76 см.) Цена файла.
Ȼ Общественное достояние
Даже в наши дни не все зрители могут похвастаться тем, что видели подобные диковины воочию, а уж в XIX веке редкой была возможность насладиться их красотой и на картине (если не рассматривать, конечно, рисунки в энциклопедиях). Живописец был уроженцем Пенсильвании, учился у Эдварда Хикса, а затем продолжил свое обучение в Европе, в том числе в Лондоне и Риме, где прожил два года.
Хид дебютировал в 1841 году на выставке Пенсильванской академии. Как многие художники того времени, он начинал с портретов, затем, переехав в 1859 году в Нью-Йорк и познакомившись с Фредериком Эдвином Чёрчем, посвятил себя пейзажу, а спустя несколько лет стал экспериментировать в области натюрморта. Хид много путешествовал. Огромное влияние на его творчество оказали совершенные им три поездки в Южную Америку, вдохновившие на создание новаторских работ.
Изящная картина в духе «цотре-ГоеН» с одиноким венком («залогом любви»), висящим на голой стене с греческими письменами, принадлежит кисти знаменитого американского живописца и декоратора Джона Ла Фаржа (1835-19Ю), создателя витражей и изобретателя опалесцентного (переливчатого) стекла.
«Венок из цветов» 1866 годЭтот многосторонне одаренный художник родился в Нью-Йорке в богатой французской семье, учился в Париже вместе с Тома Кутюром и в художественной школе Уильяма Морриса Хента в Ньюпорте, одним из первых стал изучать японское искусство.
Автор: Ла Фарж, Джон
Размер: 61,1 x 33,1 см
Материал: холст, масло
Где находится: Смитсоновский институт американского искусства. Музей
Ла Фарж прославился своими витражными шедеврами, выполненными для церквей и общественных зданий Бостона и Нью-Йорка, но в творческом наследии мастера важное место занимают замечательные пейзажи, портреты, жанровые сцены и натюрморты.
Продолжателем традиций голландского и фламандского «рыбного» натюрморта выступал популярный в Калифорнии во второй половине XIX века художник Самуэль Марсден Брукс (1916-1892), эмигрировавшый в ранние годы с семьей из Англии. Он брал уроки рисования в Чикаго и в начале карьеры зарабатывал себе на жизнь ремеслом странствующего портретиста. В 1862 году он обосновался в Сан-Франциско и завоевал себе репутацию прекрасного педагога и замечательного специалиста в изображении фруктов (его отец был ученым-ботаником) и рыб.
Рыбная тематика была его страстью. Он совершал специальные экспедиции, чтобы найти или выловить нужные ему экземпляры морской и речной фауны и достиг невероятных высот в натуралистическом воспроизведении каждой мелкой детали.
Название: «Форель и корюшка»Способность художника передать гармоничную красоту каждой «модели», блеск и даже скользкость влажной серебристой чешуи импонировала любящим рыбную ловлю калифорнийцам.
Дата написания: 1873 год
Автор: Брукс, Самуэль Марсден
Размер: Н/Д см.(по мнению экспертов предположительно 41х50 см.)
Техника: Холст, масло.
Где находится: Музей Де Янга
Скачать файл: 663х800 px.
Первым американским живописцем, обратившимся к натюрморту с музыкальными инструментами, был Уильям Майкл Харнетт (1848/1851-1892), ирландец по происхождению.
Название: «Натюрморт со скрипкой и музыкой» 1888 г. г.Его картины-«обманки», на которых предметы переднего плана изображались в натуральную величину, приводили зрителей в восторг. Известный музыкант и искусствовед А. Майка-пар приводит цитату из газетного отчета 1886 года о Промышленной выставке в Цинциннати, где экспонировались натюрморты Харнетта, в том числе тот, на котором была запечатлена скрипка Гварнери из коллекции самого художника (Старая скрипка). «Один пожилой господин долго сквозь очки рассматривал картину и, наконец, изрек “Как бы я хотел поиграть на этой скрипке!” Он с энтузиазмом убеждал, сколько чарующих мелодий можно извлечь из нее.
Автор: Харнетт, Уильям Майкл
Размер: 40 x 30 дюймов (101,6 x 76,2 см) см.
Техника: холст, масло.
Где находится: Метрополитен музей, Нью-Йорк
Скачать файл: 800х1051 px.
Большие файлы.
Репродукция (MAX. размер 70х90 см.) Цена файла.
Ȼ Общественное достояние
Он не замечал никакого подвоха, пока не подошел вплотную к картине - теперь он был совершенно обескуражен». Помимо музыкальных инструментов (чаще всего флейт и скрипок из собрания Харнетта и его друга) на картинах фигурировали воспроизведенные с поразительной точностью ноты оперной музыки или популярных в те годы салонных пьес. Из 170 созданных Харнетгом натюрмортов 37 посвящены музыкальной тематике, а на остальных нередко изображены книги, трубки, табак, газеты и прочие атрибуты «бренности», заставляющие (в данном случае уютно устроившись с пледом в кресле) философствовать на темы бытия.
Искусство живописца повлияло на творчество многих художников, в том числе Джона Фредерика Пето (1854-1907), с которым они вместе учились в Пенсильванской академии.
Название: «Книжная лавка. Job Lot Cheap» 1892 г.Одна из лучших работ Пето - тонкая по эмоциональному настрою картина «Job Lot Cheap» (это английское выражение означает оптовую распродажу партии дешевого разрозненного товара). Безыскусный и правдивый «документ» своего времени трогает душу и дает внимательному зрителю богатую пищу для размышлений.
Автор: Пето, Джон Фредерик
Размер: 76.2х101.9 см.
Техника: холст, масло.
Где находится: Музей изящных искусств Сан-Франциско
Скачать файл: 1000х758 px.
Большие файлы.
Чарующие композиции великого американского живописца Джеймса Эббота Макнила Уистлера (1834-1903) и его современника, выдающегося испанского художника-ориенталиста Мариано Фортуни-и-Карбо (1838-1874) погружают нас в эпоху повсеместного увлечения Востоком и японскими гравюрами.
«Коллекционеры гравюр» 1863 г.
Автор: Фортуни, Мариано
Размер: высота: 47 см (18,5 дюйма); ширина: 66,3 см (26,1 дюйма)
Материал: холст, масло
Где находится: Музей изящных искусств Бостона
Название: «Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма» 1864 г. г.«Широкий интерес к культуре Японии, - уточняет А.В. Познанская, - возник в Европе в середине 1850-х годов одновременно с политическим и экономическим открытием этой загадочной и долгое время недоступной для европейцев страны.
Автор: Уистлер, Джеймс Эббот Макнил
Размер: 50.1 х 68.5 см. см.
Техника: холст, масло.
Где находится: галерея Фрир, Вашингтон
Скачать файл: 800х1224 px.
Большие файлы.
Репродукция (MAX. размер 230х167 см.) Цена файла.
Ȼ Общественное достояние
Во второй половине XIX столетия японская мания охватила практически все слои европейской культуры. В театре ставили “японские” оперы; выходили в свет сентиментальные романы о гейшах и путевые заметки о жизни и нравах японцев; известные парижские модели, а вслед за ними и аристократки наряжались в кимоно и брали в руки круглые японские веера. Коллекционирование предметов дальневосточного искусства считалось правилом хорошего тона. Джеймс Уистлер, оказавшийся в это время в Париже, стал свидетелем, а затем и активным участником захватывающей эстетической игры, основанной на тончайшем переплетении чужеродных культур».
На развитие европейской живописи и графики этого периода, в том числе и предметной, огромное влияние оказала цветная японская гравюра XVII-XIX веков стиля «укиё-э» (картины повседневной жизни), в которой отразились характерные черты японского искусства. «Понятие укиё-э, так же как и само слово, прошло значительную эволюцию, - пишет исследователь японской гравюры Б.Г. Воронова. - Возникшее в древности в терминологии буддизма и обозначающее вначале “бренный, суетный” мир, в его противопоставлении высшей действительности, оно приобрело впоследствии оттенок “современный” или “модный”.
Искусство укиё-э свидетельствовало о стремлении народа к творческому самоопределению: художники отражали его веру в будущее, умение радоваться простым жизненным ценностям - поэзии будней и привлекательности женщин, праздничному веселью и красоте театральных зрелищ». Непосредственным предшественником гравюры на дереве (или ксилографии) явилась живопись «укиё-э»; часто одни и те же художники работали и в технике живописи, и в технике гравюры.
Внимание европейцев привлекал не только национальный колорит, но, в первую очередь, «иная художественная система», включавшая в себя необычное сочетание в живописи условного с действительным, тонкое чувство линии и цвета, смелость композиционных построений, а также особое поэтично-философское восприятие мира, позволяющее художнику «одновременно фиксировать» на картине проявления исчезающего мгновения и вечности.
Классического натюрморта (в его европейском понимании) в изобразительном искусстве Японии и Китая не существовало: слишком велико различие культуры Востока и Запада в форме художественного видения и системы жанров, но существовали древние традиции изображений цветов, птиц, а позже - вещного окружения человека. «И не в японском ли искусстве, - восклицал Виппер, - в его кипучей декоративной жизни, в его цветах, растениях, птицах, полных вечного трепета, не в них ли почерпнул Готье свой лозунг - “Природа живет всегда”, с которым он выступил против мертвого ремесла натюрмортной живописи?»
Изображения бытовых вещей и предметов прикладного искусства можно встретить на гравюрах великого мастера «укиё-э» Судзуки Харунобу (около 1725-1770), впервые применившего в 1765 году многоцветную печать. Его работы определили новый стиль цветной ксилографии.
Название: «В керамической лавке Кайтэ-я» около 1765 г. г.Художник ввел технику тиснения по рыхлой волокнистой бумаге и расширил область художественных и образных решений. Он использовал прием «митатэ-э», который позволял увидеть за простым, на первый взгляд, сюжетом иной, более глубокий смысл. Например, разглядывая глиняные фигурки на гравюре В керамической лавке Кайтэ-я, зритель «вживался в особое состояние души» и вовлекался в интеллектуальную игру, «связанную с давней поэтической традицией, когда придворные занимали свой досуг угадыванием известных пятистиший по начальным строфам». Зритель стремился лучше понять замысел автора и, перемещаясь в мир его образов, становился участником представленных на картине событий.
Автор: Харунобу, Судзуки
Размер: Н/Д см.(по мнению экспертов предположительно 19х23 см.) см.
Техника: цветная литография
Где находится: частная коллекция, Выставка в Токийском национальном музее, Токио, Япония
Скачать файл: 789х1000 px.
Большие файлы.
Репродукция (MAX. размер 50х63 см.) Цена файла.
Ȼ Общественное достояние
Предметные композиции встречаются в работах поэта, философа, живописца и графика Кацусика Хокусая (1760-1849), с творчеством которого связан расцвет пейзажного жанра в японской классической ксилографии.
Название: «Реквизит для прощального представления» 1820 г. г.Масштаб его дарования и значительность творческого наследия (сотни свитков, тридцать тысяч рисунков и гравюр, около пятисот иллюстрированных книг и альбомов) - достаточно вспомнить знаменитые серии Тридцать шесть видов горы Фудзи и Сто видов горы Фудзи - ставят художника в один ряд с крупнейшими мировыми живописцами. По мнению Виппера, именно Хокусай «дал первый толчок к расцвету европейского пейзажа».
Автор: Хокусай, Кацусика
Размер: 55,2 x 19,8 см. см.
Техника: суримоно
Где находится: Бруклинский музей, США
Скачать файл: 1000х352 px.
Большие файлы.
Натюрмортные изображения атрибутов изобразительного и театрального искусств (Мастерская художника, Реквизит для прощального представления) выполнены в сложной технике ксилографий «суримоно». Это был особый вид небольших по размеру гравюр, высоко ценимый коллекционерами и использовавшийся в качестве поздравительных карточек. Изящные «суримоно» и композиции с цветами Хокусая наполнены поэтическими ассоциациями, символами и метафорами.
В популярном в Японии жанре «кате-га» («цветы и птицы») много и плодотворно работал замечательный лирический пейзажист Андо Хиросигэ (1797-1858), произведения которого отличаются красотой рисунка, контрастностью и выразительностью силуэтов. Гравюра Сорока на ветке цветущей камелии выполнена на вертикальном листе («тандза-ку»), напоминающем узкие полосы бумаги, на которых средневековые поэты писали свои стихи.
Название: «Камелия и синеголовая птица» ок. 1833 г. г.Яркие асимметричные композиции Хиросигэ экспонировались в павильонах японского искусства на Всемирных выставках в Париже в 1855, 18б7 и 1878 годах и произвели неизгладимое впечатление на французских художников-импрессионистов.
Автор: Хиросигэ Утагава
Размер: 9 7/8 x 4 11/16 дюйма (25,1 x 11,9 см) см.
Техника: ксилография; чернила и краски на бумаге
Где находится: Метрополитен музей, Нью-Йорк
Скачать файл: 750х1485 px.
Большие файлы.
Репродукция (MAX. размер 40х79 см.) Цена файла.
Ȼ Общественное достояние
История китайского изобразительного искусства ведет отсчет еще со второго тысячелетия до нашей эры. «Неодушевленные предметы, - отмечает Бесчастнов, - присутствуют в работах жанра “хуа-няо” - живопись “цветов и птиц”, зародившегося в Китае в период Тан в IX веке, но в их изображения никогда не вкладывался смысл, схожий с европейским. Ведь мир вещей представлялся древним китайцам скорее как совокупность принципов».
Произведения жанра «цветы и птицы» обычно выполнялись в национальной технике живописи «го-хуа» тушью и минеральными красками на свитках из деревца гумбо, в котором (как и в любой былинке) заключена душа Вселенной. «Занимающее нижнюю центральную часть длинного узкого свитка изображение деревца дополнено в верхней части столь же изящной надписью, образующей с ним единый художественный ансамбль. В этой картине художником решались не только изобразительные, но и этические задачи выявления через природный мир моральных ценностей утонченного, интеллектуально богатого человека» (Н. Виноградова).
Живописец Юнь Шоупин (1633—1690), автор поэтической композиции Сосна и цветы, обращался к сфере «интимных человеческих чувств». В его творчестве гармонично соединялись разные стили письма: тщательный, детальный стиль «гумби» («прилежная кисть») и свободный, эскизный стиль «сеи» («выражение идеи»). Мастер славился изображением цветов методом так называемой «бескостной» или «бесконтурной» живописи.
Название: «Голубые ирисы» 1675 г.Не подчеркивая контура растения, мягкими нюансами тонов он передавал нежность и прозрачность лепестков.
Автор: Шоупин, Юнь
Размер: высота: 27,5 см (10,8 дюйма) ширина: 35,2 см (13,8 дюйма) см.
Техника: бумага, тушь и цветная живопись
Где находится: Дворец-музей, большой национальный музейный комплекс, Пекин
Скачать файл: 1000х766 px.
Большие файлы.
Репродукция (MAX. размер 110х83 см.) Цена файла.
Ȼ Общественное достояние
«Вневременная» и медитативная китайская живопись «цветы и птицы» сохраняла верность традициям на протяжении всей своей истории и в XIX веке была все так же далека от бурных поисков новых выразительных средств и стилей, присущих живописи европейской даже в таком «тихом» жанре, как натюрморт.
Название картины: «Натюрморт с лобстерами» 1826-1827 гг.«Робеспьером в искусстве» называл французский художник Энгр своего соотечественника и идейного противника - великого мастера монументальной, портретной и исторической живописи Эжена Фердинанда Виктора Делакруа (1798-1863), имя которого стало синонимом романтизма.
Автор: Эжен Делакруа
Размер: Высота: 81 см (31,8 дюйма); Ширина: 107 см (42,1 дюйма)
Техника: холст, масло.
Где находится: Лувр, Париж
Скачать файл: 700х542 px.
«Творчество Делакруа проникнуто духом борьбы, - пишет Е.П. Львова, - в нем бушуют грозовые раскаты бурного времени, отражается круговорот истории, вовлекающий в свое неуловимое движение судьбы людей». К натюрморту художник обращался редко, возможно, ему было тесно в рамках этого жанра.
Но и то немногое, что было им сделано в этой области, не прошло бесследно и вдохнуло в натюрморт новую жизнь. Великолепный Натюрморт с омаром был представлен Делакруа в Салоне 1827 года вместе со Смертью Сарданапала и другими картинами. Композиция была выполнена художником после возвращения из Англии, и в ней заметно влияние Констебла.
Название картины: «Ваза с цветами на столике» 1848-1850 г.Цветочные натюрморты писались тончайшим колористом Делакруа ( Сезанн считал его палитру «лучшей во Франции») для души, они могут служить примером «искусства ради искусства». Во время длительной работы над монументально-декоративными росписями художник устраивал себе «отпуск» и отправлялся в Ноан к своему другу Жорж Саид рисовать букеты цветов из сада ее поместья.
Автор: Эжен Делакруа
Размер: 135х102 см.
Техника: холст, масло.
Где находится: Музей Энгра, Мотобан
Скачать файл: 700x1065 px.
Статья скоро появится целиком
Осталось:
всего 
Обратный отсчет времени
Извините за временные неудобства
Использование материалов допускается с условием размещения ссылки на страницу:
Если Вам понравилась публикация-поделитесь в соцсетях
Все о натюрмортах
КУЛЬТУРА, ИСКУССТВО:
Авторские работы Виктора Дерюгина. Портреты и копии музейного качества на заказ
-
"10 вал"150х120см.
-
Готовые картиныВ наличии у художника
-
Коллекция пород лошадей на заказ маслом на холсте
-
Портрет на заказПо фото и с натуры
Мастер-классы для любителей живописи
